Dans l’Europe du Nord du XVe siècle, la généralisation de l’usage de la peinture à l’huile permet de rendre avec éclat la lumière, les textures et les détails naturalistes. Contrairement au peintre italien, le peintre nordique décrit le paysage par les couleurs plus que par les lignes et, par un rendu minutieux, il donne vie à la chair des figures sans référence à la statuaire antique.

Henri Matisse est, avec Pablo Picasso, l’une des figures artistiques majeures du XXe siècle. La phrase prophétique de son maître Gustave Moreau - « Vous allez simplifier la peinture » - guidera son cheminement créatif.  Cette quête de simplicité et d’épure pour exprimer la quintessence des formes et des couleurs aboutira aux gouaches découpées. Matisse est également l’auteur de grands décors pour ses mécènes, comme Morozov et Barnes, et la chapelle du Rosaire constitue son testament artistique.

Meubles de menuiserie ou d’ébénisterie, marqueterie, laque ou placage, découvrons les particularités techniques, les styles et le vocabulaire utilisé pour décrire le meuble en France, du Moyen-Age au début du XIXe siècle.

Au début du XVIe siècle, une grande partie de l’Europe est séduite par la Renaissance italienne. Princes et rois rivalisent pour acquérir des œuvres ou faire venir à leurs cours des artistes italiens. En France, une « manière française » apparaît au château de Fontainebleau.

Architecte, designer, architecte d’intérieur, photographe et théoricienne de l’art … Retraçons le parcours de Charlotte Perriand, figure majeure de l’histoire de la modernité. Elle a contribué à mettre les dernières innovations artistiques et techniques au service du plus grand nombre au nom de sa vision humaniste de l’art.

La photographie et la vidéo sont-elles des outils pour documenter ou pour créer ? Comment sont-elles devenues des catégories artistiques à part entière ? À travers la lecture d’œuvres aux propos variés et la découverte d’artistes célèbres et avant-gardistes, retraçons les grandes étapes de leur histoire.

Délaissant Florence et Venise et leurs gloires passées, les artistes européens font de Rome un centre artistique majeur au début du XVIIe siècle. Qu’ils soient sages ou débauchés, pensionnaires de l’Académie de France, « Frères de bandes » ou peintres philosophes, ils s’y côtoient et travaillent pour les prélats de l’Eglise et des collectionneurs privés. 

L’histoire du baiser s’inscrit dans un contexte rituel, symbolique et religieux, avant d’être l’expression amoureuse et érotique du désir. Au Moyen Age, il scelle un engagement ritualisé entre le chevalier et son vassal. Pratique chrétienne, il est désigné comme « baiser de paix ». Au fil du temps, il devient essentiellement un gage de tendresse, d’amitié et d’amour. De très nombreux artistes l’ont représenté de multiples façons, de Canova à Rodin, de Klimt à Picasso.

Sculpteur athénien du IVe siècle avant J.-C., Praxitèle était immensément célèbre de son temps, en particulier pour avoir représenté la déesse Aphrodite entièrement nue. Longtemps après sa mort, amateurs et artistes admirent encore son œuvre pourtant presqu’entièrement disparue. Menons l’enquête pour en savoir plus.

Fondé sur la raison, le classicisme prône l’harmonie, l’équilibre, la clarté et érige l’Antiquité en modèle absolu. Louis XIV le met au service du pouvoir royal pour porter le modèle français dans l’Europe entière. Mais cette définition peut-elle, à elle seule, résumer l’art de la France du XVIIe siècle ?

Depuis sa découverte au XIXe siècle, la tenture de la Dame à la licorne n’a cessé de fasciner. Six tapisseries présentent de belles dames entourées d’une faune et d’une flore tout aussi harmonieuses. Aujourd’hui mondialement célèbre, cet ensemble constitue l’une des sources de notre imaginaire médiéval. Même si l’œuvre garde encore bien des secrets, elle demeure une référence de la Beauté au Moyen Age.

Avec sa technique virtuose et sa sensibilité extrême, Berthe Morisot (1841-1895) a apporté une touche très féminine aux sujets et aux motifs traités par l’école impressionniste, dominée à l’époque par ses confrères masculins. Son pinceau, rempli de délicatesse, étudie ainsi, avec une tendre acuité, sa fille unique Julie, née de son union avec Eugène, le frère d’Edouard Manet dont elle a été longtemps la muse et le modèle.

Après l’austérité des dernières années du règne de Louis XIV, le XVIIIe siècle est celui de la recherche de l’intimité et des plaisirs dans un décor précieux et raffiné. Mais l’influence de femmes telles que Madame de Pompadour ou la reine Marie-Antoinette a-t-elle été aussi décisive qu’on ne le pense ordinairement ?

La danse est le langage universel de l’humanité. Elle relie l’humain aux dieux, au cosmos. Populaire ou aristocratique, elle est l’expression des émotions de joie ou de douleur, de vie ou de mort. De Botticelli à Degas, ou de Poussin à Matisse, elle a fasciné de très nombreux artistes. Entrons dans la danse avec eux.

Enfant prodige, Raphael (1483-1520) trouve très rapidement sa place auprès de ses ainés, Léonard de Vinci et Michel-Ange. S'inspirant de leurs innovations, il conçoit son propre style, à la fois grandiose et délicat, sobre et raffiné. Au terme de sa trop brève carrière, Raphaël incarne l'aboutissement des idéaux de la Renaissance italienne.

En réaction au goût rocaille, une génération d’artistes aspire à un art revivifié aux sources de l’Antiquité. A partir de 1738, les découvertes faites à Herculanum et Pompéi vont alimenter cette recherche, du « goût à la grecque » au Néo-classicisme. Cependant, des contre-courants proposent des alternatives à cet engouement.

Depuis la Renaissance et les voyages de formation en Italie, des générations d’artistes vont documenter leurs périples dans de précieux carnets. Objets maniables et tout terrain, ils ont ainsi permis à Eugène Delacroix de fixer ses souvenirs du Maroc, à Jean-Jacques Audubon d'étudier les oiseaux américains, à Alexandre Iacovleff de croquer les peuples croisés pendant les croisières Citroën. De nos jours encore, des artistes y gardent la trace d'un instant saisi lors d’un voyage, qu’il soit lointain, quotidien ou imaginaire.

C’est l’histoire singulière d’une jeune fille déterminée qui se voue corps et âme à son art : la sculpture. Elle ose braver tous les tabous et interdits de son époque, être une femme artiste et, de surcroit, la maîtresse du célèbre Auguste Rodin. Son destin tragique a trop souvent occulté son œuvre et la vision avant-gardiste de son art. 

L’Académie des Beaux-Arts oriente le goût officiel et brise tout rêve de carrière par un refus d’exposition au Salon. En réaction, certains artistes anticonformistes choisissent de travailler en dehors des réseaux académiques. Ils développent un art personnel, osant des techniques nouvelles et des sujets jugés subversifs.

« Je tiens l’affaire ! » Jean-François Champollion (1790-1832) annonce ainsi à son frère le déchiffrement des hiéroglyphes égyptiens en septembre 1822. Suivons-le dans cette aventure qui a fait naître une science, l’égyptologie, et a redonné la parole à toute une civilisation !

Quand Hokusai propose en 1831 une série d’estampes des 36 vues du mont Fuji, il rencontre un succès immédiat. A la fois peintre et maître de l’estampe, cet artiste prolifique et complet renouvelle l’art du paysage, en créant des compositions dont la modernité fascinera les peintres impressionnistes.

En réaction face aux œuvres des « peintres de la vie moderne », certains artistes sont à la recherche d’un ailleurs. Ailleurs lointain dans le temps ou dans l’espace, rêve plutôt qu’apparence de réalité, ou vision plutôt que rendu objectif du monde ?

Chaque couleur a son histoire. La couleur rouge, couleur du sang associée à la puissance, n'a jamais été évincée de son trône de reine des couleurs. Son histoire, et celle de ses nuances, s’étendent de la Préhistoire au XXIe siècle et possèdent de nombreuses facettes : pigments, matières colorées et usages symboliques, autant d'aspects qui en font un sujet fascinant de l'histoire de l'art. 

« Tout chez ce peintre ne respire que bonheur et plaisir », telle est l’image que la postérité retiendra de Jean-Honoré Fragonard. Peintre favori des aristocrates libertins et des courtisanes, sa vie a souvent été jugée à l’aulne des sujets galants et érotiques dont il était le maître incontesté. Cependant, durant toute sa carrière, Fragonard, artiste virtuose et savant, ne cesse de renouveler son œuvre. A nous d’en redécouvrir toutes les nuances.

Depuis la fin du XIXe siècle, les artistes parcourent des voies riches et variées. Couleurs utilisées pures, papiers collés, rebuts du quotidien patiemment collectés, photomontages, pratique des maîtres anciens ou refus du « fini », chaque œuvre devient le champ d’une recherche stylistique et technique sans cesse renouvelée.

Louis XIV a fait de Versailles sa résidence officielle, symbole de la monarchie absolue. Louis-Philippe transforme le palais en un musée « à toutes les gloires de la France ». La Troisième République naît à Versailles, et régulièrement les différents pouvoirs politiques utilisent cet emblème de la France pour servir leur diplomatie. Mais qu’en est-il du musée ? Comment les différents conservateurs et directeurs sont-ils parvenus à le transformer, d’un musée d’histoire de la France au château des rois d’avant la Révolution ? 

Temples, représentations du divin, gestes du culte, croyances funéraires, … Des mythes racontant la création du monde au rôle du roi dans le maintien de celui-ci, de la révolution d’Akhénaton aux animaux sacrés, allons à la rencontre du sentiment religieux et de ses divers modes d’expression dans l’antique Egypte.

Comme leurs contemporains, les artistes, depuis le XIXe siècle, s’enthousiasment pour le progrès, l’invention de machines et de nouveaux produits. Ils célèbrent la modernité ou s’en inquiètent. Peinture, sculpture ou architecture se voient désormais concurrencées par de nouveaux procédés qui semblent même les reléguer au rang d’anachronismes.

Musée national de la Renaissance depuis 1977, le château d’Écouen abrite des collections exceptionnelles. Entre histoire et architecture du bâtiment et chefs-d’œuvre des arts décoratifs du XVIe siècle, parcourons ce lieu remarquable, pourtant méconnu du grand public.

Si le palais de Persépolis représente l’apogée des résidences princières de la Perse antique, il témoigne également de multiples emprunts artistiques issus de la diversité des territoires de cet immense empire. Ainsi, dans l’ancienne Mésopotamie conquise au VIe s. av. J.-C., les souverains de la dynastie achéménide avaient découvert les prestigieux palais assyriens de Khorsabad et de Ninive.

Dans une société mondialisée où les codes artistiques des siècles passés semblent ne plus trouver leur place, l’artiste contemporain propose de nouvelles expériences remettant en question objet, geste, espace, temporalité, medium, et, parfois, la notion même de l’art.

Avec plus d’un million d’objets inscrits à son inventaire, le Rijksmuseum d’Amsterdam est l'un des musées les plus importants d'Europe. Il est avant tout le temple de la peinture du Siècle d’or hollandais, abritant des œuvres d'artistes majeurs tels Rembrandt, Vermeer ou Frans Hals. Si La Ronde de nuit ou La Laitière en sont les stars, nombre d’autres chefs-d’œuvre permettent au visiteur de s’immerger dans l’art du XVIIe siècle.

Partons à la découverte d’un éblouissant « Nouveau Monde » : céramiques, peintures murales mais aussi orfèvrerie et sculpture nous révèlent l’art des civilisations américaines avant l’arrivée des Européens au XVe siècle.